El pianista venezolano Raimundo Nieves, afincado en Madrid desde hace dos décadas, cambia el tercio por completo y nos presenta otra faceta muy distinta a su anterior producción (Gatoencerrao), que estuvo en la pre-selección a los Latin Grammy 2019.
Clandestino, un tributo a la salsa romántica de la vieja escuela, una “sonora” muy consistente que nos traslada a los sonidos iniciales de la Salsa. Raimundo Nieves nos trae un trabajo fresco y añejo al mismo tiempo, un capítulo muy personal en su carrera como él mismo lo define, que cuenta con composiciones y arreglos propios están dirigidos exclusivamente al bailador, lo que promete un largo recorrido en las pistas reservadas a especialistas del género.
Clandestino es también un colectivo musical para la difusión de la salsa en el que han contribuido músicos de indiscutible solvencia en la historia de la salsa. Para resguardar la sonoridad y peso del sonido en esta producción, contó con José Mendoza, ingeniero de sonido de históricas producciones salseras y ganador de un Grammy en 2017.
Raimundo Nieves, compositor, músico, creador y productor musical, es un protagonista habitual de la escena musical de Madrid, en géneros tan diversos como la salsa, la bossa, el jazz, o la música afroperuana.
Ha acompañando a lo largo de su carrera a artistas de la talla de Tamara (director), Ángela Carrasco (director), Eliades Ochoa (Buenavista Social Club), Carlos Baute (director), Pedro Eustache, Pastora Soler, Leo Dam, Ricardo Fuentes, Antonio Cortez, Jayme Marques, Lilia Vera, Sebastián Laverde, Rafael Santa Cruz (Perú), Cristina Del Valle, Javier Colina, Daniel Kiri Escobar (Perú), Mariella Köhn (Perú), Ignacio Izacaray, Carlos Moreán, Omar Acosta, Andy Durán, Juan José Capella, Nancy Toro, Gisela Guedes, Henry Martínez, Yoio Cuesta, Huáscar Barradas, Yrvis Méndez y Gatoencerrao.
La Pandilla Salsera:
Ildemaro Díaz - Percusión
Wilmer Rodríguez - Baby Bass
Frank Mayea - Trompeta
Yrvis Méndez - Bajo
Oscar Cordero “Chuki” - Trompeta
Dany Díaz - Guitarra
Daniel Luzardo – Cuatro | Guitarra
Daniel Rouleau - Saxo
Jaime Vásquez - Batá
Mariella Köhn - Coros
Beatriz Corona – Coros
Invitado especial: Manuel Machado - Trompeta
Mezcla: José Mendoza Colmenarez
Cantantes: Roy Pinatel, Carlos Julio Ramirez “El Oso”, Juan Antonio Ruiz, Frank Raymores, Oscar Silverio Molina, Gustavo Moreira.
La orquesta Bogotá comienza el 2021 celebrando sus 20 años de trayectoria, con un homenaje a la carranga, una canción escrita por Jorge Velosa “Qué Pena Con Mi Vecina”.
“Como ha sucedido con algunas de nuestras canciones, y con muchas de otros géneros musicales, esta surgió a partir de un dicho popular del cual eché mano para improvisar una copla sonoramente juguetona, que vino a ser la semilla de la obra que Velosa y los Carrangueros publicamos en 1996” cuenta Velosa.
Sergio Mejía cuenta que hace 10 años, Velosa lo busco con la intención de unir dos sonidos populares, la carranga y la salsa. Pasa el tiempo y por las flexibilidades de la pandemia sale una nueva versión de “Qué Pena Con Mi Vecina”, con arreglos de Diego Sánchez.
Para está versión buscaron a Los Rolling Ruanas, los rocanroleros de la carranga para fusionar con los rockeros de la salsa, La-33. Esta canción fue producida en SMRecords y es cantada por Edinson Velasquez, conocido como “Lencho”. Está fusión fresca, hace un sonido autentico entre las dos agrupaciones.
El videoclip fue producido por Gino Carranza y Javier Romero, fundadores de Mafia Digital, expertos en crear historias muy adictivas. Esta historia se remonta al año 1994, la rutinaria vida de Mario, un caricaturista del periódico “El Cosmos” que está cambiando completamente, debido a que se está enamorando de Marcela, su colega y jefe de dibujo. Tanta fantasía le puede estar cobrando factura.
El día de hoy amanecimos con la triste noticia del fallecimiento de uno de los mas grandes percusionistas de los últimos tiempos en la Salsa y el Latin Jazz
El percusionista Morales había nacido en Brigdeport, Connenticut (área triestatal) y desde los 9 años su vida se desarrolló en La Isla, donde eran naturales sus padres.
Se inicia en la música por herencia de su padre, de quien hereda la guitarra como legado, pero al tener contacto con los tambores su vida tiene un giro y de forma autodidacta y con la perfección de la escucha de los discos en estaciones de radio y en los vinilos, va adoptando la maestría en el tambor.
Jimmie Morales, acompañó a Frankie Ruiz en su carrera en como solita y entre sus referentes estuvieron los boricuas Barreto, Montalvo y Milton Cardona y los cubanos Candido, Patato y Mongo entre otros.
Su nombre aparece en mayúsculas por allá en 1978 -aunque antes ya había grabado algunas cosas- al hacer parte de la agrupación de Willie Rosario como conguero, allí conoce a Gilberto Santa Rosa con quien entabla una fuerte amistad y cuando este decide iniciar su carrera en solitario, Morales le acompaña en esa empresa hasta hoy.
Jimmie Morales, artista exclusivo Remo
Jimmie era artista exclusivo y tenía su propia linea congas exclusivas de la casa Remo, de la mano de ellos dictaba charlas, talleres y promocionaba sus instrumentos .
Nuevo parte de mejoría de la salud del "Niño Bonito de la Salsa"
Su hija Gizelle habló con los medios de comunicación e informa que: “Se encuentra dando pasos hacia una mejoría y estamos bien contentos con el progreso”.
En horas de ayer fue dado de alta del hospital y ademas se encuentra dando señales positivas de su recuperación y "prontito" van a escuchar de él.
Gizelle cuenta que Janice, esposa del cantante, tomó la decisión de llevarlo al hospital, donde su mejora ha sido notable.
“Papi casi no nos pertenece a nosotros. Papi le pertenece al mundo entero”, expresó Gizell mientras agradeció las oraciones, el amor y el apoyo recibido.
Recordemos, que Miranda sufrió un infarto isquémico cerebral en enero pasado y su familia ha mantenido informando a sus seguidores y público en general acerca de su estado de salud através de comunicados en sus redes sociales.
La Salsa Dura, del estilo y agresividad musical del doble ganador de GRAMMY® Marlow Rosado se fusiona con la voz dulce y única de la salsa romántica de Frankie Negrón, en el álbum "Los Colores de la Salsa" que se encuentra disponible a partir de hoy en todas las plataformas digitales y además se estrena su vídeo musical "Depende de Ti" canción que invita a la unión y reconocimiento de los salseros.
Esta producción musical es el resultado de la unión de dos salseros totalmente opuestos en estilos, ya que Frankie ha sido reconocido mundialmente en cantar para enamorar mientras que Marlow ha producidos sus disco como un verdadero "Salsanimal" para el bailador.
Crédito: Vincent Guerra Photographer
"Ya es hora de defender el género que amamos todos sin importar el estilo musical, sino dándole lo mejor de lo mejor con excelentes arreglos, músicos y voces de primera línea" expresó Marlow Rosado, productor, músico y responsable de llevar a cabo este grandioso proyecto de JN Music Group.
Esta unión de Marlow y Frankie surgió gracias a la ciudad de Miami donde se pudo materializar este proyecto durante el 2020, pues aún en la adversidad de este año, enfocaron sus energías para hoy presentar este resultado de la fusión de estilos dentro del género musical.
"No jodan más con la salsa... que la salsa es cosa buena" así comienza esta singular producción musical que hace un llamado a reafirmar el lugar especial que posee la llamada "Salsa Gorda" pero además destacar la voz de la Salsa Romántica.
En el sencillo "Depende De Ti", se hace una alerta destacando los pilares de la salsa de todos los tiempos y además invitando a los nuevos talentos, géneros o estilos musicales emergentes a reconocer, respetar y cuidar en hermandad lo que con mucho sacrificio y años se ha logrado.
El vídeo de esta canción se presenta bajo la dirección de Cueto y la composición es del propio Marlow Rosado, además comparte roles con Ray Contreras y Frankie Negrón.
Marlow Rosado es considerado el último artista firmado por la prestigiosa y reconocida Fania Records, además lo han llamado “el Dalí de la música”, pues sus manos al piano se convierten en los pinceles con los que crea un mundo tan surreal como el plasmado en lienzos por el extinto pintor. Ha sido comparado con el pianista de jazz norte americano Thelonious Monk y hasta con su ídolo Eddie Palmieri.
Entre los temas que se destacan en la producción, está el que lleva su nombre “Los Colores de la Salsa” composición de Negrón y Rosado, donde se fusiona la salsa y el merengue, además está el cover de “Tu eres” tema original de Frankie Ruiz, quien ha sido el ídolo de Frankie Negrón.
El listado de Canciones de la Los Colores de la Salsa es: 1- Intro 2- Los Colores de la Salsa 3- Depende de Ti 4- A Partir de Hoy 5- Tu Eres 6- A Lo Loco 7- Aguale 8- No Jodan Más Con La Salsa (Versión Clean) 9- Boricuas en Nueva York 10- No Jodan Más Con La Salsa (Versión Explicita)
La esposa del salsero Ismael Miranda pide a los seguidores y al público en general que sigan orando por su recuperación, lo cual será un proceso de cinco a seis meses, según han estimado los médicos.
“Lo que a Ismael le dio fue un infarto, fue grande, y tenemos a Ismael con nosotros por la misericordia de Dios”, expresó Janice Batlle, quien está al cuidado del cantante en el hogar. Previo a llegar a la casa hace dos días, estuvo internado por alrededor de tres semanas en un centro de rehabilitación.
“Ahora mismo está en un proceso de recuperación que va a durar unos meses, pero está bien, está de buen ánimo, y está en las de luchar por sentirse tan bien como antes de que todo esto pasara”, dijo la esposa, quien cuenta con el apoyo de los cinco hijos del artista. “Todos estuvieron aquí tan pronto él tuvo la situación y la mayor vino a ayudarme cuando él iba a entrar al hogar y la semana que viene, viene otro de los hijos. Todos estamos en el mismo propósito y en la misma meta de que él logre lo que queremos, que es volverlo a tener como siempre”, afirmó.
Ismael Miranda al lado de su esposa Janice Batlle
“El Niño Bonito de la Salsa” fue intervenido de emergencia el pasado 22 de enero tras presentar “unas molestias y con fuertes mareos que afectaron su rutina diaria”, según el comunicado de prensa que publicó entonces la familia. Hasta ese momento, Miranda no presentaba condiciones de salud y un par de horas antes, se había vestido elegantemente para una actividad.
“Está tranquilo, me imagino que llegan momentos en que se deprimes= un poco, pero eso es parte de todos los procesos de la vida y más cuando sabes que tienes a tu lado un Dios que está contigo, y es el que te ha permitido esta oportunidad, así que es más agradecimiento que otra cosa”, expresó Batlle. “Nos hemos encargado de decírselo, que es un hombre amado, y de que es un hombre respetado y eso se lo digo constantemente para que él sepa que no solamente va a luchar por él, sino por su familia y por la gente que lo ama”, puntualizó la esposa.
Batlle exhortó a las personas en general a aprender a “vivir el día a día, disfrutarlo, olvidarnos de los enojos, de los problemas, porque si son problemas no se pueden resolver, así que hay que dejarlos en la manos de Dios para que él sea el que se encargue porque sabes de ahora, pero no de lo que pasará en una hora”.
La tarde de hoy 2 de marzo nos sorprendió con un audio con la voz de Tatiana Sedes (su hija) anunciándole a 'Juan Carlos' sobre el fallecimiento del maestro del saxofón Johnny Sedes.
Juan Sedes, como fue su nombre de pila, quien naciera el 18 de julio de 1937 en el estado de Yaracuy en San Felipe, Venezuela. Fue saxofonista, compositor, arreglista y director de su propia agrupación; fue una de las figuras representativas de la salsa en al década de los 70 a quien se le puede aplicar aquel viejo dicho popular "nadie es profeta en su tierra" ya que el desarrollo de su carrera lo hizo en La Gran Manzana.
Su primer trabajo sale a la luz en el año 1966, con lo cual logra cumplir el sueño del director musical.Entre sus éxitos destacan "Doce Cascabeles", "Carúpano", "El Manicero", entre otros.
Fallece hoy 2 de marzo de 2017 a causa de una paro respiratorio, luego de haber sufrido un accidente cerebro vascular el pasado 24 de enero. Paz en su Rumba...!!!
Evocación del decano de la salsa, el alma de la grandiosa Fania All-Stars, fallecido esta semana. ¿Por qué cuando se muere un grande sentimos que un pedazo de nosotros también?
Se murió Johnny Pacheco, “el zorro plateado” de la Fania; una figura fundamental que siempre me llamó la atención por su innegable estilo, calidad musical como flautista, sabrosas composiciones, excelentes discos, exitosas presentaciones y numerosos artistas que le siguieron los pasos, al punto de poder decirse, no sin cierto atrevimiento, que fue el creador de lo que se denomina “salsa”, al menos como la conocemos, lo cual le hace ser tremendamente relevante, por lo menos para mí y, obviamente, muchísimos más.
Y no soy exagerado con esto, porque Pacheco fue el fundador y dueño -en compañía de Jerry Masucci, claro- del sello Fania Records, del cual, además, fue el director musical, siendo su álbum “Cañonazo”, catalogado 325 (por ser el 25 de marzo el día de su cumpleaños), el primero de muchos que revolucionarían a la música del Caribe latino.
Fania, como bien se sabe, con un inicio bastante modesto, resultó convirtiéndose en un imperio comercial que grabó discos, produjo conciertos, hizo películas, revistas y libros, y, sobre todo, supo promocionar un imaginario que tal vez ya existía, pero que jamás se habría potenciado de esa manera aludiendo al “barrio” con su rudeza, expresiones urbanas y sabrosura; a un “orgullo latino” -y pilas, afrocaribe-, a un hedonismo que nunca ha desaparecido, y, por supuesto, a una música que nos conectó con muchos lugares y momentos, a través de una expresión y un nombre que algunos han rechazado históricamente, pero que se regó por todas partes: la salsa.
En ese contexto, este dominicano -nacido en Santiago de los Caballeros en 1935- amante de la música cubana y socio de puertorriqueños en Nueva York, supo triunfar como músico y director de orquesta, pero, sobre todo, como un empresario con gran agudeza para organizar, empaquetar, promover y difundir esa música -y ese universo cultural- que nos identifica, junta, convida e inspira. Sin duda, se trató de alguien que tuvo la pasión y visión para hacer sus sueños realidad, y que lo hizo con creces, aunque también, claro, con algunas polémicas.
Total, en este proceso, el carismático, teatral, simpático y, sin duda, astuto Juan Pacheco Kiniping “Johnny Pacheco” -también conocido como “el Faisán”, por uno de sus temas más famosos-, supo apostar por Bobby Valentín, Ray Barreto, Larry Harlow y, sobre todo, Willie Colón. De hecho, fue Pacheco el que le dijo a un tímido ponceño llamado Héctor Pérez -y a quien rebautizó como “Héctor Lavoe”- que se juntara con ese trombonista del sur del Bronx a quien -según unos por peleador y según otros por su desafinada manera de tocar- le decían “El Malo”, convirtiéndose en el mejor ejemplo -o, bueno, uno de los mejores- del sonido de la salsa de Nueva York, esa que con dureza, expresiones urbanas y mucho sabor, se regó por todos los barrios populares de gran parte de América Latina, la cual se volvió salsera, así ya lo fuera sin darse cuenta o, por supuesto, teniéndolo muy claro.
Pero también fue el productor de varios artistas de su sello y, por supuesto, de la grandiosa Fania All-Stars, la cual, siguiendo la tradición de otras casas disqueras de la movida afrocaribe en Nueva York y antes en Cuba, juntaba a los mejores -o, al menos, los más conocidos- músicos haciendo discos muy calidosos y presentaciones abarrotadas de personas que cantaban, gozaban, compartían, reían y deliraban con tanta música bacana.
Mejor dicho, si bien sabemos que el nombre “salsa” fue una astuta y exitosa movida comercial para poner en un solo saco a un montón de ritmos, principalmente venidos de Cuba que, además, no tan sutilmente le negaba a la isla -en tiempos de la guerra fría y desde Estados Unidos- la paternidad sobre su propia música, es claro que, con este nombre, hubo patente de corso para juntar al son, la guaracha, el guaguancó, el danzón, el chachachá, la plena, la bomba, el mambo y hasta el merengue (Pacheco era dominicano, pilas), y un poquitico la cumbia (y el rock, y la ranchera, y la música afroamericana, y la música brasilera, y muchas cosas más) para hacer tronco de merequetengue salsómano y hacernos gozar hasta el final.
Y que no se malentienda, porque la salsa es una expresión de la mezcla sonora newyorkina que acogió influencias de todas partes, las cuales, si bien no niegan una base fundamental, tuvo muchas cosas más por ahí y, si no lo creen (y así el sonido de la orquesta de Pacheco emulara al de la Sonora Matancera), oigan un boogaloo, pa´ ver si eso es solo “cuban music”.
En fin, Pacheco fue uno de los grandes, y si bien muchas veces estuvo -deliberadamente- tras bambalinas, su papel jamás se podrá negar, algo que supieron también Celia Cruz, Pete “el Conde” Rodríguez, Héctor Casanova, Tite Curet Alonso, Cheo Feliciano, Ismael Miranda, Papo Lucca y Rubén Blades (y los otros grandes músicos y arreglistas que compartieron con él).
Eso sí, seguro que era jodido, lo cual le sirvió para lidiar con esas estrellas del firmamento salsero, y claro que cerró puertas a aquellos que, por rebeldía, no dar el casting o contar con otras formas de concebir la música, no se acomodaran al estilo que el dominicano quería promover. Con esto, seguro que cometió muchas injusticias. Y obvio que “olvidó”, muy deliberadamente, poner el nombre de los autores de ciertas canciones que se grababan, con lo cual muchos -entre los que están varios cubanos en la isla- no recibieron los derechos de autor que se merecían.
A la fija también que la Fania, al haber comprado a la mayoría de compañías de música “latina”, estandarizó las sonoridades y ayudó a amainar la riqueza musical que la diversidad -étnica, empresarial, cultural- generaba. Y seguro que sabía de las jugadas de Masucci para desconocer regalías o pagar menos de lo que correspondía, una práctica cuestionable, así muchísimos también la hicieran -y la sigan haciendo-, y que, al final, le salió bastante cara.
Pero eso no deja de lado su papel fundamental para crear, promover y difundir, como nunca antes se había hecho, todo un universo cultural que llegó para quedarse, no solo en ciertos lugares, sino en los -nuestros- corazones salseros (¿salsómanos?).
Esto, por supuesto, hace recordar que, cuando mueren los grandes artistas -como pasa con esas figuras que creemos eternas, como el legendario Chick Corea-, sentimos que un poquito de nosotros se va con ellos, pues nos han acompañado (y, claro, lo seguirán haciendo) en muchos momentos de la vida, haciéndola más llevadera y, por supuesto, divertida (yo, por lo menos, me he divertido mucho gracias a Pacheco).
Con esto sobre la mesa, vale recordar lo que dijo alguna vez refiriéndose a su muerte:
"Cuando yo me muera quiero que me pongan en la lápida: Aquí está Johnny Pacheco en contra de su voluntad; pero lo que más alegra mi corazón es que cuando yo no esté mi gente seguirá cantando: ¡¡¡QUE CANTE MI GENTE, QUE CANTE MI GENTE!!! "
¡Acuyuyé, Pacheco!
*Petrit Baquero es músico, melómano, escritor, polítologo e historiador. Autor de los libros El ABC de la Mafia. Radiografía del Cartel de Medellín (Planeta, 2012) y La nueva guerra verde (Planeta, 2017).
El dominicano fundador del sello Fania Records, Johnny Pacheco ha fallecido en las últimas horas.
Juan Zacarías Pacheco Kinipping, conocido artísticamente como Johnny Pacheco fallece en la ciudad de New York víctima de una neumonía como fue informado en su página de Facebook por parte de su esposa Cuqui Pacheco.
Pacheco, quien ya venía presentando problemas de salud debido a molestias en su columna vertebral, al mal de parkinson que fuera diagnosticado y quien en días pasados fue internado de urgencia debido a una neumonía, fallece hoy a los 85 años.
Hijo de una familia humilde y quienes salieron exiliados, cuando Juan (el menor de 5 hijos) tenía tan solo 11 años, de su natal República Dominicana.
Su primer acercamiento a la música lo hace cuando recibe como regalo de reyes una armónica y al poco tiempo ya demostraba su destreza con el instrumento, mas adelante y ya en New York se gradúa en la "Julliard Music School"; se inicia como percusionista de diferentes agrupaciones, entre otras la de Tito Puente. También hizo parte de La Charanga La Duboney, agrupación de su amigo Charlie Palmieri y para 1960 ya conforma su agrupación Pacheco y su Charanga, que fue todo un éxito en ventas.
Pacheco y Masucci(Foto Fania Records)
Mas adelante y por diferencias con el promotor Al Santiago, propietario del sello Alegre, toma la decisión de asociarse con el abogado italo-judio Jerry Masucci y fundan el sello Fania Records.
Ya con el liderazgo de su propio sello discográfico, tomó la idea de Alegre y basado en los "jam sessions" cubanos y conformó una orquesta con una selección de los músicos que iban firmando para su sello, así nace FANIA ALL STARS, orquesta que le dió la vuelta al mundo llevando la salsa a todos los rincones del planeta.
Héctor Lavoe y Johnny Pacheco (Foto Fania Records)
Pacheco fue un visionario, como músico no se conformó con ser parte de las mejores agrupaciones de New York, si no quiso tener la suya propia y lo logró; cuando las cosas en el sello para el cual grababa no funcionaron para el, se fue y creó el suyo propio; tomó lo mejor de la música latina y lo mejoró en New York y se lo vendió al mundo entero como "Salsa".
Según el mismo lo dijo en el documental "Yo Soy la Salsa", en su epitafio dirá: "Aquí yace Johnny Pacheco, en contra de su voluntad"
Gracias Johnny, gracias por este gran legado. Paz en tu Rumba.
El pianista norteamericano Chick Corea, a quien hace poco le fue diagnosticado un cáncer dejo un carta de despedida.
"Con gran tristeza anunciamos que el 9 de febrero, Chick Corea falleció a los 79 años de edad, de una rara forma de cáncer que sólo fue descubierta recientemente". De esta forma, vía Facebook, se informó hoy jueves la muerte de Armando Anthony Corea, uno de los grandes pianistas de jazz. Chick Corea había nacido en Chelsea, Massachusetts, el 12 de junio de 1941.
"A lo largo de su vida y su carrera, Chick disfrutó de la libertad y de la diversión que se tenía en crear algo nuevo, y en jugar a los juegos que hacen los artistas. Fue un amado esposo, padre y abuelo, y un gran mentor y amigo para muchos. A través de su cuerpo de trabajo y las décadas que pasó recorriendo el mundo, tocó e inspiró la vida de millones de personas", sigue el comunicado publicado en la página oficial del músico en su red social de Facebook.
En el comunicado que anunció la triste noticia del fallecimiento de Chick Corea, la familia ofreció al mundo la carta que dejó el notable músico estadounidense, con una despedida especialmente amorosa hacia "mis asombrosos amigos músicos":
“Quiero agradecer a todos los que a lo largo de mi viaje me han ayudado a mantener ardiendo los fuegos de la música. Es mi esperanza que aquellos que tengan el impulso de tocar, escribir, actuar o lo que sea, lo hagan. Si no por ustedes, por el resto de nosotros. No es solo que el mundo necesita artistas, es también muy divertido.
Y para mis asombrosos amigos músicos, que han sido como una familia para mí desde que los conozco: ha sido una bendición y un honor aprender de ustedes, tocar con todos ustedes. Mi misión fue siempre provocar el disfrute de la creación allí donde estuviera, y hacerlo con todos los artistas que admiro tan profundamente: esa ha sido la riqueza de mi vida."
Corea ganador de varios premios Grammy y responsable de un sinnúmero de colaboraciones con diferentes artistas del jazz del mundo y del espectro latino.
La familia de "El Niño Bonito" publica una nueva actualización acerca del estado de salud de Ismael Miranda Carrero, en cabeza de su esposa llega este nuevo comunicado.
Actualización de Estado de Salud. Informarles que a día de hoy nuestro querido Ismael, ha sido trasladado nuevamente a la Unidad de Intensivo, seguimos pidiendo a todos que no cesen todas sus oraciones para su pronta recuperación.
Desde Mundo Salsero hacemos votos por su pronta recuperación #FuerzaIsmael
La Sonora Ponceña anuncia en su Fan Page de Facebook, conteo regresivo para el lanzamiento de su nuevo trabajo discográfico "Salsa con To y Pandemia".
Anuncian que este disco podría estar disponible en próximos días en las diferentes plataformas digitales, Jahath Lucca, nieta de don Quique, hija de Papo y mánager de la agrupación invita a todos los salseros y admiradores de la música de La Sonora, para que estén pendientes y adquieran esta producción.
El disco saldrá bajo el sello ‘JL Musi C Publi Shing LLC’, y este trabajo discográfico completo contiene ocho cortes, de los cuales tres sencillos Jubileo 65, Los Palos cantando Darvel García y Mi Son Candela cantando Jorge Nicolai Avilés ya habían sido lanzados durante meses anteriores.
Como ya se volvió habitual dentro de cada trabajo de 'La Mas Sureña' incluir un tema de instrumental, en esta ocasión el tema es composición del trompetista "Gazú" y lleva por título A Mi Padre(Latin Jazz); este trabajo discográfico en su totalidad será una dedicatoria a Don Quique.
El concepto del diseño y el arte de la portada se basa en un guerrero nórdico con el universo de fondo y la luna alumbrando en el horizonte, esto se asemeja a las portadas que usaba la agrupación en el pasado.
Se podrá escuchar un adelanto de este nuevo trabajo haciendo click... Aquí
El multipercusionista y cantante cubano Pedrito Martinez, nos presenta un adelanto de lo que será su nuevo trabajo discográfico.
Nos presenta un disco que se compone de 9 canciones totalmente inéditas, que promete ser lúdica y profunda, juvenil y antigua, a la vez que constata con sonidos de yoruba, rumba, jazz y timba. “Una recopilación de emociones”, lo llama Pedrito, “y la historia de mi vida viviendo en Nueva York y Cuba”.
1. Aumba, 2. My Father’s Eyes, 3. Yo Si Quiero, 4. Si no sabes bailar, 5. Ciudadano, 6. Por Que Sera, 7. Inhospito Mundo, 8. Blasfemador 9. Afina el Arroz.
Son los temas que incluye esta producción, que cuenta con invitados como Eric Clapton, Gilberto Santa Rosa, Issac Delgado, Kenny Garrett y Jon Faddis entre otros.
Gracias Carlos Mantilla y su programa Charanga y Son de Bucaramanga, quien nos compartió este adelanto y pueden escuchar los audios...Aquí
Este disco viene en dos presentaciones CD y Vinilo para los amantes de los diferentes formatos.
El hallazgo de Los Van Van –y en general de la música cubana tras la revolución de 1959- para el público de Medellín se produjo poco a poco, de la mano de estudiantes e intelectuales de izquierda, más por el amor por la música y la admiración por el proyecto político en la isla, que por las razones del mercado que han traído otras modas y otros consumos, efímeros, mediocres y desechables. La música de Juan Formell llegó despacio, pero llegó para quedarse.
Las primeras grabaciones de Los Van Van llegaron a Medellín a mediados de la década de los 70 del siglo pasado por vías no comerciales, los protagonistas fueron los teatreros, intelectuales, profesores universitarios y sindicalistas que viajaban a La Habana en intercambios culturales o por conocer, de propia vista, el proceso político de la isla y regresaban cargados de música, y entre los discos y casetes se colaron Los Van Van, que ya sonaban por todos los rincones de la isla bloqueada.
Pero esas grabaciones se quedaron en reuniones familiares y en intercambios entre amigos –compañeros, diríamos ahora-, hasta que llegó la primera invasión vanvanera durante los XIII Juegos Centroamericanos y del Caribe, que se realizaron en junio de 1978.
Los deportistas cubanos, además de salir vencedores en las justas, fueron un motivo de intercambio cultural, en sus maletas llegaron discos y casetes de agrupaciones novedosas en la ciudad como Los Van Van, Irakere y Ritmo Oriental. Con ellos supimos, además, que la Orquesta Aragón y Celina González estaban vigentes y grabando, que existía un nuevo movimiento socio-político-musical llamado Nueva Trova que tenía como protagonistas a un Pablo Milanés, a un Silvio Rodríguez, a una Sara González. Algunas de esas grabaciones sonaron en la radio, pero Medellín no las entendió, la onda salsera neoyorquina prevalecía -y prevalece- y el songo se quedó engavetado.
La música cubana tuvo que hacer un viaje aún más largo: llegó con los estudiantes que habían construido su proyecto de vida en las universidades del desaparecido «campo socialista» de Europa Oriental: venía con los graduandos de Moscú y Kiev. Venían en discos de larga duración etiquetados en ruso.
Para comienzos de la siguiente década, con los discos de contrabando que llegaron de Venezuela, aparecieron los primeros éxitos vanvaneros en la ciudad: Sandunguera, El baile del buey cansao, La Habana no aguanta más, Anda, ven y muévete y Eso que anda. Aun así, la radio se resistía a programarlos habitualmente. Estudiantes universitarios que frecuentaban los bares de salsa de la calle La Paz entre Carabobo y Bolívar, entre ellos El Oro de Munich, La Bahía –de Humberto Freddy Gómez-, y unas cuadras más al norte, La Titular, de William Gutiérrez, llevaban grabaciones en casete para que sonaran en estos centros de hedonismo y sabrosura.
Cuando la salsa buscó otros espacios en la calle San Juan con la apertura de Convergencia, del profesor Edgar Arroyo, en 1987, entre la programación habitual de salsa clásica, nueva trova cubana y otros sonidos del gran Caribe como el reggae, el kompa direct y la soca, Los Van Van ahora sí empezaron a encontrar su espacio. Por esas calendas, la estación radial Latina Estéreo comenzó tímidamente a programar sus éxitos, especialmente la gozosa Sandunguera.
El definitivo arraigo vanvanero se produjo en Rumbantana, en la calle San Juan, fundada en 1995, cuando comenzaron a programar noche tras noche y con discos traídos directamente de La Habana los grandes éxitos de Juan Formell y sus muchachos. La rumba se volvió eterna e imparable con Aquí el que baila gana, Que sorpresa, Te pone la cabeza mala, Se acabó el querer, Normal Natural, Deja la ira, De igual a igual, Permiso que llego Van Van, Disco Azúcar, Que le den candela, Soy todo…
Además, una noche en el año 2001 programaron seis horas seguidas de Los Van Van en las inolvidables audiciones de los jueves. Medellín ahora sí podía ingresar en las grandes ligas vanvaneras y sólo quedaba vivir la experiencia en vivo de Los Van Van de Cuba…
Van Van is here
Durante varios años, uno de los más apasionados de Los Van Van en la ciudad, el periodista Juan Fernando Trujillo, El Flako, intentó convencer a los empresarios del espectáculo para que trajeran a los cubanos de nuevo sonido. No hubo interés, los temores estaban en que eran pocos conocidos y que su música poco sonaba en la radio comercial. Finalmente, el empresario Óscar Castañeda, de la Corporación Medellín de Jazz, arriesgó y se comprometió en semejante proyecto y se iniciaron los contactos para traerlos.
Y llegó la hora… la noche de magia, pero persistía la incredulidad, las preguntas corrían por las calles: ¿vienen Los Van Van? ¿Será posible? La radio se unió al regocijo y programaron más grabaciones de lo habitual. La prensa abrió sus páginas y anunciaron la presencia de un sonido novedoso de bajo y percusión llamado songo que llegaba de Cuba.
La fecha no se olvidará nunca: 1 de noviembre de 2007, en el escenario del Teatro Metropolitano. Estaban programados para las 8 pm, pero con los retrasos tan habituales en nuestro medio empezaron 40 minutos después y nadie dijo nada. Se abrieron por fin los telones y arrancó el songo, Juan Formell, Mayito Rivera, Yenisel Valdés, El Lele, Robertón Hernández y los éxitos de siempre y los de su trabajo más reciente de ese entonces: Chapeando, Anda, ven y quiéreme y Ven, ven, ven. Y los casi 1500 espectadores quedaron extasiados después de casi 2 horas de exorcismo vanvanero.
Esa noche cubana fue una apuesta a la aceptación de los nuevos sonidos provenientes de la isla, a los que algunos mal llaman salsa cubana y otros, tal vez más respetuosos de los particulares ritmos cubanos, discriminan entre songo y timba. Pese a tratarse de géneros que no se encuentran en la programación de las emisoras que difunden salsa, pese a conocerse relativamente poco el extenso trabajo de Formell y sus Van Van, pese a no ser en un escenario apto para el baile, pese al pésimo sonido contratado para la actuación, a la gente le gustó la propuesta rítmica y melódica que, como la audiencia entrenada ha crecido notablemente, ahora los problemas técnicos sí puede determinar el éxito de una presentación.
Al final del concierto, Juan Formell en los camerinos se dirigió a su trombonista estelar, Hugo Morejón, y le dijo excitado: «anótalo, tenemos más vanvaneros en el corazón para llevar a Cuba».
Los regresos
Cuando pasó el éxtasis, cuando las revoluciones y evoluciones sonoras de Los Van Van se calmaron en las almas de los paisas, regresaron para una presentación en un espacio más abierto, pero con otras deficiencias de sonido que no han podido superar con el paso de los años, la Plaza de Toros La Macarena -ahora llamada Centro de Eventos La Macarena-. Era el 9 de octubre de 2009 y alternaron con el Grupo Niche. Pero la asistencia no fue buena como esperaban los empresarios, aun así, entregaron el alma en tarima por un motivo inmenso: celebraban 40 años alegrando corazones.
Fresca está la visita de Los Van Van a Medellín: fue el 2 de julio de 2010 para el cierre del III Congreso Iberoamericano de Cultura, evento masivo y gratuito en la Plaza Carabobo Norte, a un costado de la Universidad de Antioquia y al frente del Jardín Botánico. Compartieron tarima con el dominicano Víctor Víctor, la peruana Susana Baca, el varias veces rey del vallenato Alfredo Gutiérrez y la cuota del latin jazz local con Siguarajazz. Seguramente la mejor presentación en nuestros predios porque el sonido estuvo impecable, el público de todos los rincones de la ciudad estaba presente y los cubanos se entregaron por más de dos horas de songo, goce, virtuosismo y nuevas sonoridades.
Gracias Formell
El 1 de mayo de 2014, se fue Formell después de no superar las dolencias que lo aquejaban de tiempo atrás. Los Van Van seguirán abriendo brechas a las sutilezas del encierro. Sus grabaciones ya son fáciles de conseguir, se descargan del Internet al día siguiente de su publicación. Seguramente vendrán nuevas voces, nuevas tendencias sonoras y en Medellín seguiremos a la expectativa vanvanera.
La música de Los Van Van llegó a Medellín para confirmar un desmentido: que el son se había ido de Cuba. No solo no se había ido, sino que se había enriquecido, el alma del baile estaba intacta y ahora se dirigía a las nuevas generaciones, en la isla y en el resto de América Latina a través de la música alegre, dicharachera y desenfadada (pero también inquietante y crítica) del grupo que encabezara Formell.
Salseros, soneros, songueros, timberos y vanvaneros convivimos en el mismo éter sonoro.
Aquí el que baila ¡Gana!
Sergio Santana Archbold Escritor e Investigador / MúsicaAfroantillana
El Grupo Niche ganó hoy el Grammy Latino, pero seamos sinceros, estaban en mora de darle un premio grande a esta institución musical.
Tanta música y tanta rumba reunida en un solo nombre, en esa agrupación que nació en Bogotá y que luego adoptó Cali. Niche se hizo grande hace más de 20 años y se metió en el corazón de los colombianos, entre estos en el mío.
Siempre me he declarado más de la vieja escuela que dejó está agrupación y esto lo compruebo al seguir gozando sus canciones clásicas.
Este es un momento preciso para recordar a Moncho Santana, Álvaro del Castillo, Tuto Jiménez, Ostwal Serna, Nicolás Cristancho Macabí, La Coco Lozano, Tarry Garcés, César Monje, Ricardo Valdés, Charlie Cardona, Andrés Viáfara, Álvaro Cabarcas, Fernando Martínez, Javier Vásquez, Raúl Umaña, Moris Jiménez, Alberto Barros, Denilson Ibargüen, Ricardo Bicenty, Tito Gómez y por supuesto Jairo Varela y todos aquellos hicieron parte de ese Grupo Niche que poseía ese sonido característico que nos identificaba y que hizo que nos enamoramos de él.
Supe de la existencia de Willie Colón y Rubén Blades, ya bien entrados los años ochenta. Y fue cuando mi papá me hizo oír “Siembra”, un álbum que, como ya he dicho varias veces, me impactó tanto que, no solo marcó mi gusto musical.
Y marcó mi gusto musical, pues, además de esa ecléctica y poderosa manifestación de influencias con una percusión agresiva, unos potentes trombones, un piano "montunero sabrosísimo" y un bajo completamente "funkero" que me llevaron a un nuevo mundo musical, tenía unas letras contundentes y una clara intención política que me transmitió inmediatamente rebeldía, esperanza y un sentido de solidaridad que siempre he considerado muy valioso. Por eso, las críticas a las dictaduras militares que pululaban en el continente (“Nicaragua sin Somoza”), respeto por el sincretismo y la resistencia cultural, las sátiras contra el arribismo y la superficialidad de la gente “plástica”, y el llamado a la unidad latinoamericana para “un mañana de esperanza y de libertad” fueron, para mí, contundentes. Y, claro, ahí también estaba “Pedro Navaja”, una pequeña historia (“fononovela” le llamaría Willie Colón) que me impactó tanto que, de verdad verdad, años después resulté investigando las historias de muchos bandidos y rebeldes que han marcado, con sus orígenes, contextos, actuaciones y efectos, a gran parte de la sociedad. Así que, luego de descubrir “Siembra”, ya no solo oiría la salsa de Niche y de Joe Arroyo (y de Fruko y sus Tesos), sino que me volcaría -entre muchas otras, claro- sobre la obra de esos dos notables artistas que también me causaban curiosidad por una pinta que se asemejaba a la de los rebeldes barbudos de los sesenta, los “malotes” de barrio de cualquier época o incluso de algunos oficinistas setentudos (no setentones).
Por eso, pasó poco tiempo para que me deleitara con los sonidos novedosos de “Metiendo mano”, la exuberancia sonora y lírica de la ópera “Maestra vida” y las proclamas anti-imperialistas, pero a la vez pícaras y con un sonido más acústico, de “Canciones del solar de los aburridos”, haciéndome saber que Willie Colón y Rubén Blades eran, además de unos talentosos creadores de canciones que hacían rumbear a mucha gente, dos caudillos sonoros que compartían un mensaje político claro, atractivo y, para mí, urgente y necesario.
Esto me llevó a recorrer toda la discografía del “newyorikan” Willie Colón con Lavoe, sus tres álbumes con Celia Cruz, su maravilloso disco con Ismael Miranda, la maravillosa producción con Soledad Bravo y, sobre todo, sus discos solistas en los que plasmaba una exuberante experimentación sonora que, a la vez, era callejera, sabrosa y sofisticada, es decir, el puro “sonido de Nueva York” potenciado con maravillosas versiones de temas brasileros, arreglos de cuerdas majestuosos, percusión bacanísima y unos trombones, como siempre, contundentes y polifónicos. Además, así algunos no estén de acuerdo, a mí me gusta la voz de Colón y considero que fue mejorando con los años.
Y, claro, también me sumergí en la propuesta artística, social y política del panameño Rubén Blades (con "Seis del Solar", "Son del Solar", "Editus" y Roberto Delgado, entre otros), la cual no solo miraba al barrio latino en Nueva York, sino a toda Latinoamérica con un sonido que, así algunos digan otra cosa, era bastante bailable y popular, pero que, a la vez, contaba con unas letras elaboradas y bastante precisas que transmitían la aguda percepción de un gran artista e intelectual sobre la situación social -y humana, individual y colectiva- de tantas gentes en tantos lugares del mundo.
Supe, por supuesto, que, a pesar de vivir momentos de fuerte tensión, Blades y Colón continuaron encontrándose en algunos conciertos y que incluso grabaron un álbum en 1994 titulado “Tras la Tormenta”, cuyo tema homónimo me encanta. Pero, con el tiempo, observé que llegaron fuertes desavenencias personales entre ambos, las cuales han quedado más que en evidencia por la forma diferente en que resultaron viendo el mundo, con Blades como un representante, en sus propias palabras, de “una izquierda coherente”, y con Colón dando un giro cada vez más claro –y sorprendente- hacia la extrema derecha. Y esto quedó aún más en evidencia con la campaña presidencial en Estados Unidos en la que Blades pidió no votar por Trump, a quien denomina el “ogro anaranjado”, mientras que Colón se convirtió en un entusiasta republicano y seguidor de ese multimillonario y ultraderechista empresario convertido en Presidente.
Claro que estas posturas sorprenden, sobre todo en el caso de Colón, pues ¿por qué el otrora rebelde y progresista artista se convirtió en un reaccionario que apoya a los grupos más conservadores de ese país y América Latina? ¿Por qué el talentoso músico que criticaba el "apartheid" social en el que le tocó crecer ahora niega que exista un racismo estructural en Estados Unidos? ¿Por qué el sensible nieto de puertorriqueños se opuso, con todo, a las marchas que, encabezadas por muchos artistas, buscaban tumbar al gobernador corrupto de Puerto Rico? ¿Por qué el activista que criticaba a la "mafia" musical de Miami, porque esta negaba la diversidad de orígenes de la salsa (para decir que es solo música cubana) y solo apoyaba a los que se alinearan con políticas de extrema derecha, resultó acusando de comunista a cualquiera que tenga una agenda progresista y liberal? ¿Por qué ese brillante músico que grabó obras maravillosas que daban cuenta de múltiples influencias y una mirada heterogénea del mundo se convirtió en un personaje que ve la realidad en blanco y negro? ¿Por qué ese genio que incorporó, como ningún otro, la música del Brasil en la salsa (versionando a otros genios, esos sí coherentes con un pensamiento de izquierda, como Chico Buarque y Caetano Veloso) y que clamaba por la unidad latinoamericana ahora apoya posibles intervenciones militares en América Latina? Mejor dicho, ¿qué le pasó al gran Willie Colón que terminó convertido en un amargado que apoya a los grupos más racistas, misóginos y clasistas del mundo? ¿Qué ocurrió con ese inolvidable creador que grabó "Siembra", le cantó al "Tiburón" imperialista y se burló del "General" describiendo a esos dictadores militares en América Latina? En fin, ¿qué es lo que ocurre con aquellos que pasan de defender férreamente una causa a militar en otra totalmente opuesta, como si buscaran huir de sí mismos, es decir, de lo que creían, lo que luchaban y soñaban?
No sé, pero es lamentable que haya pasado. Total, nos queda su maravillosa música, que era mucho mejor en los tiempos en que no era tan facho, y, por eso, les recomiendo el tema “No”, del Willie Colón de comienzos de los noventa
En contraposición, algunos se han sorprendido al conocer la postura de Rubén Blades (y me sorprende que se sorprendan), el artista, intelectual y abogado que ha actuado como funcionario público de alto nivel en su país y cuenta con una maestría en Harvard (y muchas cosas más), lo cual le da peso para opinar sobre algo que, como residente en Estados Unidos, latinoamericano y persona consciente y crítica del mundo en el que vive, le afecta bastante.
De hecho, pareciera que algunos de los que lo critican jamás hubieran oído sus canciones, pues olvidaron que denunció el imperialismo del "Tiburón" gringo que se metía en Centroamérica cada vez que podía, así como protestó por las torturas y los asesinatos en los regímenes políticos autoritarios que había en el continente.
También, al parecer, no sabían que Blades ha atacado el racismo estructural de la sociedad y que, por eso, aplaudió cuando “Ligia Elena” se marchó feliz con su trompetista. Y, por supuesto, olvidaron que Blades le hizo un sentido homenaje al sacerdote Arnulfo Romero, quien denunció las violaciones de Derechos Humanos en el Salvador, al tiempo que nos hablaba de los desaparecidos y nos decía vehementemente: “prohibido olvidar”. Pero, además, no tuvieron en cuenta que el panameño ha planteado en uno de sus más recientes discos la tremenda contradicción (el doble rasero) del gobierno de Estados Unidos que bloquea a Cuba, pero hace negocios con la China manejada por el Partido Comunista (al respecto, oigan el tema "Parrhesia"
En ese sentido, es diciente que la música de Colón, que antes era rebelde, contestataria, creativa y original (sigue siendo mi salsero favorito), se haya vuelto predecible, acomodada y conservadora, lo cual refleja, por supuesto, su cambio en la manera de concebir al mundo.
Por el contrario, si bien Blades es ahora más políticamente correcto que antes (en “El nacimiento de Ramiro” no dice “marica”, sino “indeciso” y no sé por qué), su obra continúa expresando complejidad y ruptura de algunos esquemas cuadriculados buscando nuevos sonidos y colaboraciones con artistas de diferentes géneros (eso sí, con irregulares resultados, aunque el riesgo vale la pena).
Todo esto me hace creer que aquellos que solo tienen una visión dual de la realidad, es decir que asumen que todo es blanco o negro (o capitalista o comunista) y que tienen una limitada, simplista, maniquea e ignorante visión del mundo, manifiestan, además, una evidente nostalgia (seguramente inconsciente) por tener detrás (o encima) a un líder autoritario que les diga siempre lo que tienen que hacer. Rubén Blades, como ciudadano del mundo, como persona consciente y preparada, como representante de una postura progresista y liberal, y como un brillante cantautor que ha dejado ver un punto de vista bastante sólido, no solo en sus canciones sino en sus declaraciones públicas (como Chico Buarque, como Caetano y como tantos otros), sabe muy bien en qué lugar se encuentra, así algunos de los que bailan sus canciones no lo terminen de entender.
Por el contrario, Willie Colón, el gran Willie Colón, aparentemente olvidó de dónde vino, pues su posición ultraconservadora, la negación del racismo estructural en su país (el nació en South Bronx, NY), sus críticas a las movilizaciones que, en Puerto Rico (su patria ancestral), hicieron renunciar al corrupto gobernador, y sus declaraciones públicas apoyando a un personaje que, abiertamente, ha expresado su desprecio por los países (estos “países de mierda”) y las personas de América Latina, sorprenden y entristecen. Seguramente, ha estado viendo mucho FOX News y, por supuesto, se metió en la idea de que el fracaso del chavismo en Venezuela es un ejemplo para pensar que solamente la ultraderecha es el camino más efectivo, al menos, para que nada cambie (y debe estar, a la fija, gritando que hubo fraude a favor de Biden).
Lo más triste es que la forma opuesta de ver el mundo que tienen estos dos notables creadores, además de los conflictos personales que, incluso, llevaron a demandas y ataques por las redes sociales, evidencian que el sueño de ver otra vez juntos a Rubén Blades y Willie Colón (en los estudios y los escenarios) jamás se podrá hacer realidad (de hecho, yo traté de ponerlos a hablar y como a las dos horas Colón me bloqueó de sus redes sociales -que iluso yo-). Por todo esto, en estos tiempos de polarización, “fake news”, campañas de desinformación y radicalismos alentados por una burbuja que las redes sociales -y unos medios de comunicación tradicionales con claros intereses particulares- ayudan a inflar, es que valdría la pena volver a oír las canciones que Willie y Rubén grabaron hace 40 o 30 años, pues, de pronto, algunos se podrán acordar de algo que, al parecer, hace mucho tiempo se les olvidó (prohibido olvidar, vale la pena volverlo a decir).
Al menos Willie Colón debería hacerlo, porque nadie mejor que él (con excepción de Rubén Blades) sabe que “se ven las caras, pero nunca el corazón”. (Yo, de paso, también lo haré.
Grabar música nueva como se realizó en los años 70 era el objetivo y gran reto del álbum discográfico Back To The Great Sound (Volviendo al Gran Sonido), de la orquesta Calle Maestra de José Aguirre. Hoy, el primer sencillo de este producto titulado A Golpe de Marea se pone a disposición del bailador y del pueblo salsero para su deleite. Para José Aguirre, A Golpe de Marea es un homenaje a la mujer afro. “En esta canción se dibuja con admiración la magia, la dulzura, el movimiento y sobre todo la gracia que tiene al caminar y al bailar de esta mujer. Es una analogía entre ella y el misticismo del mar·”, destaca.
En todas las canciones de Back To The Great Sound se puede disfrutar de la combinación de una trompeta y dos trombones, la misma técnica musical que usaron los grandes artistas en la época floreciente de la salsa en Nueva York, como Héctor Lavoe, Wayne Gorbea y Cheo Feliciano, entre otros, y que hoy, Calle Maestra la rescata para el oído del melómano.
Escuchar claramente el sonido orgánico de un piano de cola que no va conectado a nada es una de las grandes apuestas que trae este álbum musical, al igual que el magnífico encaje o fits que hacen dos bajos y que no es recurrente en la salsa y que le da dos ambientes diferentes, eso es Volviendo al gran sonido. Álbum creado en el estudio Afterhours Music, de Miami, en donde predomina la cinta y la consola analógica que lo convierte en uno de los pocos que hoy existen enel mundo y que data de 1959.
Nueve de los 10 cortes musicales que vienen en el álbum Back To The Great Sound son interpretados por el puertorriqueño Wichy Camacho. “Aquí hay temas para todos los gustos, desde el bailador hasta el instrumental”. Este primer sencillo es algo que se va a quedar para la posteridad no solo en Colombia sino en todo el mundo”, asegura Camacho, quien ha hecho parte del Grupo Niche y ha trabajado con Cheo Feliciano, Isidro Infante, Ismael Miranda y Lalo Rodríguez, entre otros. “Gracias a Dios vengo cantando desde hace muchos años y es un placer estar con Calle Maestra y espero que esto sea el inicio de muchas producciones más”, destaca el cantante boricua.
A Golpe de Marea ya está disponible en todas las plataformas digitales y el video clip lo puede ver aquí...
El arte y diseño de la carátula del disco fue realizada por Izzy Sanabria, quien ha sido el creador de las portadas de los discos del sello Fania, en la década de los años 70 y 80.
Ficha Técnica • Director musical, arreglista y productor: José Aguirre • Productor Ejecutivo para Maestra Music LLC: Henry Salazar B. • Vocalista: Wichy Camacho – Puerto Rico • Congas: Sammy Garcia – Puerto Rico • Bongó y Campana: Carlitos Soto – Nueva York • Timbal, Guiro y Maracas: Diego Pri Camacho - Colombia • Batería: Wilson Viveros - Colombia • Piano: Victor Gonzalez - Colombia • Baby Bass: Sergio Múnera - Colombia • Trompeta: Jose Aguirre - Colombia • Trombon: Frank Cohen – Nueva York • Trombon: Edwar Montoya - Colombia • Coros: Wichy Camacho, Juan Carlos Gonzalez, Jose Aguirre • Grabado en: Afterhours Music Recording Studios. Miami, Florida, Ingeniero Hal Batt, Jacob Batt y Rolando Alejandro. Vanquish Studios. Davie, Florida Ingeniero Joseph Salamida. • Mezcla y masterización: Julio Franco, Cali, Colombia. • Arte y diseño carátula: Izzy Sanabria • Manager Jose Aguirre: Liliana Escobar • Director Video: Diego Andrade
